July fue una banda de psicodelia británica creada a finales de los 60. Aunque en un comienzo fueron una banda de skiffle y posteriormente de R&B, en 1968 confeccionaron un único LP homónimo que dejó destellos de lisergia mezclada con adornos blues y pop. Sus mayores éxitos fueron My Clown y Crying Is For Writers. Tras la edición del disco, los miembros del grupo escogieron caminos distintos dejando de lado este proyecto.
El álbum comienza con el mayor éxito de la banda, el ya comentado My Clown. Calificado como uno de los hits de la psicodelia británica, destaca por sus teclados espaciales, su melodía vocal ( cargada de efectos), la introducción de instrumentos exóticos (el sitar, entre otros) y los ácidos riffs en las cuerdas.
Dandelion Seeds, el segundo tema del disco, es un vaivén desde la base: teclados que se pierden y regresan, rupturas del ritmo introduciendo guitarras rítmicas y una onírica pero sencilla percusión.
El núcleo central del disco, así como los temas añadidos en sus posteriores reediciones, nos muestran un pop psicodélico sin grandes alardes y que sirven para poco más que para rellenar. Temas como The Way, To Be Free o You Missed It All son escuchables pero no alcanzan una categoría más elevada.
Sin embargo, Crying Is For Writers es un tema más en la línea de My Clown: una guitarra con efectos de phaser y wah-wah que rozan la saturación y unos vocales sin gran fuerza pero sugerentes.
El grupo tardó poco en disolverse y parte de los miembros recalaron en Jade Warrior; Alan James terminó siendo un reputado músico de estudio, llegando a trabajar con artistas como Cat Stevens. Por su parte, Tom Newman, el vocalista de July, se convirtió en ingeniero y técnico, participando en discos como el Tubullar Bells, de Mike Oldfield.
Un disco de colección para los amantes del rock psicodélico.
July - July
Fuzzy Duck - Fuzzy Duck
Navegando por el archivo del amigo Sapo Pasuche me topé con Fuzzy Duck, un grupo de culto de rock progresivo del que poco, por no decir nada, se sabe. Su único y homónimo disco, es una delicia para los amantes del rock con potentes órganos hammond al más puro estilo Uriah Heep, Atomic Rooster o los ya comentados Black Widow.
Lanzado en 1971, Fuzzy Duck es un LP creado con simpleza pero con virtuosismo. Sus ocho pistas originales ( ahora podemos disfrutar de cuatro más, gracias a las reediciones de Akarma) desprenden originalidad por los cuatro costados. Los solos y vuelos de los instrumentos fuera de la arquitectura y el ritmo son constantes, originales y, sobre todo, desarrollados con gran técnica.
El disco comienza con Time Will Be Your Doctor, un tema que comienza con una base r&b que pronto cambia en un hard rock del que despegan una magnífica guitarra primero y un maníaco hammond después.
Mrs. Proud es uno de los destacados del disco. Frenético desde el principio, el tema es una amalgama de cabalgadas de un potente ritmo que no descansa gracias al incombustible Paul Francis a la batería.
More Than I Am, el corte número cinco, es un magnífico corte rock. El peso del ritmo descansa esta vez sobre Roy “Daze” Sharland, al que escucharemos “duckear” en A Word From Big D.
Country Boy, es el mejor tema del disco. Con una arrancada capitaneada por el bajo de Mike Hawksworth (anteriormente en Andromeda), la canción se adentra en peligrosos riffs de guitarra que mezclan rock duro y ciertos ecos blues. Una tonada indescriptible en la que todo el grupo participa dando el 100% de técnica, virtuosismo, potencia…y descontrol. Puedes escucharlo a continuación:
El disco original se completa con Just Look Around You, Afternoon Out y In Our Time. Gracias a las nuevas reediciones podemos escuchar 4 temas inéditos: Double Time Woman, Big Brass Band, One More Tour y la soberbia No Name Face.
Un grupo de culto que solo dejó este brillante LP, recuperado en 2002. Imprescindible para amantes del progresivo y el hard rock.
Cultura Profética - Ideas Nuevas
Las revoluciones musicales siguen existiendo aunque no con la frecuencia de las décadas pasadas. Uno de los casos más sorprendentes es el de la banda puertorriqueña Cultura Profética. Su reggae, con influencias de gran variedad de estilos, supone una renovación y, a la vez, una vuelta al sonido más pegajoso y cadente. Sus líricas, tremendamente politizadas, versan sobre aberraciones como la decadencia política, Vieques, o la naturaleza del hombre. Tras doce años en la escena, cuatro discos de estudio y dos directos ( uno de ellos tributo a Bob Marley), el grupo liderado por Willy Rodríguez —bajista y cantante— y Boris “El Mono” Bilbraut — batería y cantante— es más que un referente en el reggae de habla hispana. Sus discos son un compendio del buen hacer, y es que Cultura es una formación de virtuosos musicales con conciencia.
Ideas Nuevas, su segundo disco, es el culmen de su época más reggae, aunque siempre mostrando su brillante eclecticismo musical con aproximaciones al jazz o a la bossa nova. Editado en 2001, fue producido y mezclado por Errol Brown en los estudios Tuff Gong (que había estrenado Judy Mowatt). Sus 75:36 minutos de historias en sonido comienzan con La Otra Galaxia, una instrumental cargada de arreglos y con una pesada carga emotiva. Dispónganse para cerrar los ojos, el disco despega.
Ideas Nuevas, canción que da título al disco, es una crónica de la contracultura, un llamamiento a la inteligencia del ser humano frente al borreguismo que pregonan los líderes mundial. Su estribillo reza lo siguiente:
Tras este himno aparece Suelta Los Amarres, en colaboración con Guillermo Bonetto, líder de Los Cafres. Su ritmo reggae, adornado con preciosos arreglos en los teclados, una arenga que nos anima a liberarnos de las ataduras y convenciones de la sociedad para ser libres.
Tras Rompiendo el Letargo, está No Me Busques, una composición con toques de salsa en los vientos y el piano —una constante a lo largo de toda su discografía— en la que el grupo muestra su humildad e independencia respecto a la sociedad del progreso en la que vivimos.
En La Plaga, un apocalíptico pero renovador sueño, aparece por primera vez la voz de Boris Bilbraut, también batería de Cultura Profética. Los adornos y florituras de Eliut González en las guitarras, y los preciosos solos de saxo hacen de La Plaga, una de las canciones referencia del disco. “El Mono” también aparecerá a la voz en Siento y en So Much Trouble In The World, una curiosa versión del hit de Marley, en el cual aparece Bernard Collins (Abyssinians).
Tras el tema ska Mr.Swin y el Tres Pasitos Jazz Ensemble aparece Soldado, una de esas historias de sonido que el grupo nos anticipaba en la contraportada; una de esas historias de soldados antibelicistas que no desean la guerra nunca más.
El disco se cierra con Diario, un tema que va desde un ritmo tribal nyahbinghi hasta un reggae roots que abrirá, a modo de guiño, su siguiente disco titulado igual que este tema.
Ideas Nuevas es, desde que lo escuché por primera vez hace más de 6 años, un referente en mi biblioteca musical. Y es que el sentimiento, la invitación a pensar y la magnífica aportación musical te matan y reviven tema tras temas. Ya lo dicen ellos mismos: “Si las emociones matan, deben también curar”.
Black Widow - Sacrifice
A medio camino entre el hard y el rock progresivo, el grupo Black Widow lanzó un proyecto ambicioso que fue deshaciéndose paulatinamente por el infortunio y la falta de fe. Aunque no llegan a la calidad de grupos como Jethro Tull, Black Sabbath o Coven, su primer disco, Sacrifice, dejó para el recuerdo varios temas con marcadas letras satánicas, una buena sección de viento ( representada por flauta y saxo) y el fantástico órgano hammond de Zoot Taylor, a medio camino entre Jacula y Deep Purple.
Black Widow nace a mediados de la década de los sesenta en Leicester. Llamados en primer lugar Pesky Gee, obtuvieron, gracias al festival de la isla de Wight, el reconocimiento necesario para fichar por la CBS. Pronto comenzaron a recopilar material para grabar su ópera prima que vería la luz en 1970: Sacrifice.
El disco comienza con In Ancient Days. Su perturbador órgano va in crescendo con el paso de la introducción demostrando el dominio técnico y musical de Zoot Taylor. Tras la ruptura del hammond, nos encontramos con un tema épico —una batalla entre civilizaciones antiguas— en el que la voz de Kip Trevor queda opacada por la instrumental.
Tras Way to Power llega Come To The Sabbath, el mayor éxito del grupo, compuesto por Clive Jones. La arquitectura instrumental del tema se mezcla con una letra que ansía el conocimiento del poder de Astaroth y que exalta al sacrificio de los cuerpos. De hecho, durante sus actuaciones en directo, el grupo contaba con una performance realizada por la compañía teatral de su ciudad, en la que solían representar el sacrificio de una virgen desnuda.
Pasamos por alto Conjuration y Seduction, dos temas menores que pasan sin pena ni gloria, para llegar a a Attack Of The Demon, un corte más hard rock, en el que destaca la flauta de Clive Jones y el hammond al más puro estilo Fuzzy Duck.
Por último, aparece Sacrifice, tema que da nombre al disco. Este pasaje con pinceladas jazz de más de 11 minutos de duración cuenta, de nuevo, con la aparición de Jones y Taylor con elementos destacados en vientos y órgano, respectivamente.
A pesar de no ser un álbum excelente, significó un pequeño avance para el doom más extendido. Una pequeña joya que nació de un grupo, quizás, demasiado irregular. Las desavenencias con su sello, CBS, y la mala prensa que tenia el grupo ( se rumoreaba que seguían los consejos de Alex Sanders, un brujo ocultista) les hizo perder una gira por E.E.U.U. Las constantes comparaciones con Black Sabbath, grupo que talonearon en varias giras, tampoco ayudó a que el grupo continuara en su estilo. Fruto de esto, el grupo comenzó a resquebrajarse: tras la publicación de Black Widow II, el auténtico líder y compositor del grupo, Jim Gannon, lo abandonaba dejándolo a la deriva. La suma de todos estos detalles tuvieron como consecuencia la pérdida del contrato con su discográfica y la desaparición del grupo tras su último LP, Black Widow IV, autoproducido por la banda.
Un disco no imprescindible, pero si necesario para aquellos que disfruten del rock progresivo y el hard rock oscuro.
Judy Mowatt - Black Woman
La década de los 70 asistió al nacimiento de algo más que un estilo musical, una revolución de sentimientos y sensaciones: el reggae. Sus figuras más relevantes —Bob Marley, Dennis Brown, Lee Perry, entre muchísimos otros…— son de sobra conocidos, pero alrededor de éstos existían auténticos genios y artistas con un gran bagaje musical a sus espaldas. Es el caso, por ejemplo, de Judy Mowatt, una leyenda viva del reggae, al que ha aportado colaboraciones históricas ( formaba parte de las I- Threes, el conjunto coral de Bob Marley) o álbumes de bellísima factura como Black Woman.
La carrera musical de Mowatt comenzó con el renacimiento de The Gaylettes, grupo que terminó convirtiéndose a finales de los 60 en uno de los referentes de la isla. De esta primera etapa caben destacar los temas Silent River Runs Deep, el primer éxito nacional de la banda, Take a Chance On Me y numerosos cobres de bandas de soul y r&b americano como Stevie Wonder, Dusty Springfield o Young Rascals. La repentina marcha de las otras dos integrantes de The Gaylettes, Beryl Lawson y Merle Clemenson, dejó a Judy en la estacada, a la vez que totalmente libre para comenzar, aunque no por mucho tiempo, su carrera en solitario. En esta época graba numerosas versiones de grupos americanos y dos nuevos éxitos bajo el seudónimo de Julianne: In Paradise y The Gardener.
Dos años más tarde, en 1974, Judy se asocia con Rita Marley y Marcia Griffiths para formar I- Threes. El grupo cosecha muy buenas críticas y Marley, que buscaba un repuesto en los coros de The Wailers tras la marcha de Peter Tosh y Bunny Wailer, las ficha para colaborar en sus álbumes.
El contacto con el Rey del Reggae hizo que Mowatt adoptara la doctrina Rastafari y se uniese a las Doce Tribus de Israel. Fruto de este cambio nacen composiciones como Black Woman, Many Are Called y Slave Queen, que formarán parte de su segundo LP como solista: Black Woman.
El álbum, que fue el primero grabado en los estudios Tuff Gong de Marley (incluso antes que el Survival), cuenta con un par de versiones de The Wailers—Concrete Jungle y Put It On— y con una composición del también cantante y compositor Freddie Mcgregor, Zion Chant.
La canción que abre el disco es Strength To Go Trough, un corte con numerosos arreglos al más puro estilo r&b de los sesenta en la que la cantante da muestras de su potencial. Entre las versiones de Concrete Jungle, un complicado reto por parte de la cantante que no supera en absoluto la versión original, y Put It On figura Slave Queen, un reggae roots con un gran predominio del órgano y en el que destaca la dulzura del solo de saxofón.
Zion Chant, Black Woman, Down In The Valley y Many Are Called son las cuatro canciones claves de este gran álbum. Los ritmos instrumentales no dan pie a ninguna clase de crítica, son simplemente impresionantes por la cantidad y calidad de arreglos que incluyen: el cabalgar de las baterías (que varían desde el One drop hasta arquitectura más Disco) , la cadencia del bajo, los innumerables riffs de la sección de viento, la destreza de los teclados y el órgano…Esto, sin duda, tiene explicación si vemos quién figura en los créditos del álbum: Leroy “Horsemouth” Wallace en la batería, Tony Chin y Earl “Chinna” Smith en la guitarra, Tyrone Downie en los teclados, Scully Simms en la percusión y una larga lista de músicos de sesión de gran prestigio en la isla.
El álbum se completa con Joseph, una balada reggae dedicada a Bob Marley en el que Mowatt le muestra su admiración y respeto al genio jamaicano, y Sisters Chant, un chant nyahbinghi con tendencia gospel.
Un disco 10 y, sin duda, una gran apuesta para los amantes de la música que desconocen el profundo universo de la brillante música reggae.
Fairport Convention - Unhalfbricking
Fairport Convention es una referencia si hablamos del folk británico de las décadas de los 60 y 70. El grupo, que comenzó su andadura con un estilo más cercano al rock y al estilo de la costa oeste americana, derivó hacia el folk con adornos galaicos con álbumes como Unhalfbricking o Liege & Lief. La mayor responsable de este cambio fue Sandy Denny, quien entró sustituyendo a Judy Dyble en la voz, junto con el legendario Richard Thompson, uno de los fundadores de la banda. Tras el puente que supuso What We Do On Our Holidays, apareció en 1969 el ya citado Unhalfbricking, un LP que, aunque posee pinceladas de rock, sentó las bases tradicionales en el grupo ( Ian Matthews, descontento con este cambio, dejó la banda), y que aupó al grupo en las listas de éxitos— llegaron a estar en el número 12 en los charts británicos— hasta consagrarse como leyenda viviente del British folk.
En Unhalfbricking, vocablo inventado por Denny mientras jugaban a las palabras, vemos la gran influencia de Bob Dylan, uno de los grandes referentes para el cambio pegado por Fairport Convention (junto con Joni Mitchell que ya aparecía versionada en What We Do on Our Holidays). Fruto de esto nace Si Tu Dois Partir, cover de If You Gotta Go en francés (los Fairport tenían una formación académica excelente, empezando por Sandy Denny, que acudió al Kingston College of Art y en el que coincidió con leyendas como Eric Clapton o Jimmy Page). El single cosechó un gran éxito y acabó entrando en el top 30 británico. Entre la excelente versión de Dylan figuran dos baladas con arreglos rock: las decadentes Genesis Hall y Autopsy.
A Sailor’s Life es otra de los éxitos de este álbum. Introducida por Sandy al grupo, este tema tradicional de más de once minutos fue grabado en una sola toma. En él, destaca la excelente y rica técnica de dos de los genios de Fairport Convention: Richard Thompson a la guitarra y Dave Swarbrick, en el violín ( éste último entraría en el grupo sustituyendo a Ian Matthews) así como la portentosa voz de Sandy Denny, genio y figura del grupo, debido a sus intermitentes idas y venidas del grupo y a su tormentosa vida personal.
El siguiente tema es Cajun woman, una obra que mezcla violines propios de taberna junto con arreglos country en la guitarra. Después aparece Who Knows Where The Time Goes, una de las composiciones de referencia de Sandy Denny; para muchos, la mejor cancion de ésta, que sería versionada posteriormente por artistas como Judy Collins.
El disco se cierra con dos versiones de Bob Dylan: Percy’s Song y Million Dollar Bash— que formaría ,en 1975, parte de las Basement Tapes—, mostrando de nuevo la magnífica influencia del compositor americano.
Como curiosidades respecto a este disco caben destacar dos: en primer lugar, la extraña portada en la que aparecen los padres de Sandy Denny y, de fondo, al grupo en el campo. En segundo lugar, la triste muerte del batería Martín Lamble antes de la edición de este álbum.
El grupo continuó su andadura musical con álbumes como Liege & Lief, Full House o Angel Delight, pero con grandes modificaciones en los músicos de la banda. La primera en marcharse fue Sandy Denny para formar Fotheringay, aunque posteriormente volvería a los Fairport. El bajista Ashley Hutchings, tilidado como el “John Mayall del pop-folk británico”, abandonaría el grupo para formar Steely Span. Por su parte, Richard Thompson dejaría el grupo para comenzar su carrera en solitario con grandes éxitos como I Want To See The Bright Lights Tonight, junto con su esposa Linda Thompson.
Steppenwolf - Steppenwolf
Dentro de la dinámica y efervescente escena musical de los 60, apareció un grupo, que con su particular visión del rock, sentó las bases del hard-rock y de lo que posteriormente se llamaría heavy metal. Se trata de Steppenwolf, grupo liderado por John Kay y que toma su nombre de la novela homónima de Herman Hesse.
La historia de Kay ( nacido Joachin Fritz Krauledat) empieza lejos de América, concretamente en la recién establecida República Democrática Alemana (RDA) gobernada por la Unión Soviética. Tras residir en Hannover, su familia deja su país natal para aterrizar en Canadá. Es el año 1958.
Seis años más tarde, la ciudad de Toronto asiste al nacimiento de The Sparrows, el germen de lo que posteriormente será Steppenwolf. Consiguen dar varios conciertos en los bares de blues de Yorkville, pero deciden marcharse a San Francisco en busca de éxito en 1967, el año del Verano del Amor.
Las influencias del grupo parten desde el blues y el rock and roll hasta la psicodelia. Su productor, Gabriel Mekler, les introdujo también el hard rock de grupos como Led Zeppelin o Black Sabbath, haciendo que el estilo del grupo fuese más agresivo. Tras fichar por RCA- Dunhill prepararon su primer LP: Steppenwolf.
La primera canción del disco es Sookie, Sookie, original del cantante y compositor soul Don Covay, que da auténticas muestras de la potencia y distorsión del grupo. Este corte, que fue el segundo sencillo del grupo en las listas, fue pinchado por las radios negras hasta la saciedad pensando que se trataba de un tema realizado por afroamericanos. Dejaron de emitirla en cuanto se enteraron de que el grupo era de raza blanca.
Tras Everybody’s Next One está Berry Rides Again, un homenaje a una de sus mayores influencias: Chuck Berry. La letra, que versa sobre tórridas historias de amor y que tienen como nexo las canciones del genio de St. Louis, se entremezcla con los constantes guiños de la guitarra al más puro estilo Berry y el piano de Johnnie Jonson.
El siguiente tema es Hoochie Coochie Man, cover blues de Willie Dixon ( bajista en el grupo de Check Berry y una leyenda como productor de discos). A pesar de tener una arquitectura clásica de blues, Michael Monarch y John Kay adornan sus líneas de guitarra con grandes distorsiones. Por su parte, Goldy Mcjohn realiza un trabajo espectacular en el Hammond, dándole un gran apoyo a la base instrumental y dejando pista libre para que vuelen los solos de guitarra.
El corte número cinco es Born To Be Wild, el tema más conocido de Steppenwolf. Hay un gran número de anécdotas interesantes acerca de esta canción. En primer lugar, y como decíamos al comienzo, este grupo sentó las bases del heavy metal con su potencia y estilo…pero además aportó su nombre. Y es que en uno de los versos de Born To Be Wild reza “Heavy Metal Thunder” que posteriormente se tomó para describir el estilo de grupos como Metallica o Judas Priest, ya en los 80.
En segundo lugar, el tema no es de ninguno de los miembros activos de Steppenwolf. La canción fue compuesta por Mars Bonfire ( Dennis Edmonton), un ex-componente de los días de The Sparrows. El tema se hizo tan conocido que llegó a ser uno de los himnos de la contracultura ( y es que quién no se imagina a Hairy Henry o Chocolate George escuchando esta tonada…). Por último, esta canción fue incluída en la película de Dennis Hopper Easy Rider, un film revolucionario y con escenas míticas como la que aparece a continuación:
The Pusher, una versión de Hoyt Axton, es otro de los grandes éxitos del grupo, incluída también en la banda sonora de Easy Rider. La canción, una proclama contra los traficantes de drogas, fue prohibida en algunos estados por su estribillo (“God Damn The Pusher” [Que Dios maldiga al traficante]). En Winston-Salem, Carolina del Norte, las autoridades obligaron a John Kay a cambiar el estribillo por el eufemismo “Gosh Darn”. Aunque el lider y cantante de la banda prometió a los agentes de policía a ajustarse a sus pretensiones, acabó cantando la canción sin cambio alguno debido a la presión del público.
Otras dos canciones destacables son A Girl I Knew , una balada rock adulzada por la linea del clavinova que fue el primer single del grupo, y The Ostrich, un tema hard rock en el que la banda vuelve a mostrar su fuerza con la potente voz de John Kay y la desgarradora agresividad de la sección instrumental.
El grupo llegó al culmen del éxito con su siguiente LP: Steppenwolf: The Second, donde estaban temas como Magic Carpet Ride, otro éxito internacional de la banda. Sin embargo, este álbum debut se tranformó en una de la grandes referencias para los futuros grupos de hard rock e incluso para músicos consagrados. Es el caso de Neil Young, quien afirma en su autobiografía, Shakey, que el estilo de Kay a la guitarra fue una de sus grandes influencias. Un LP que merece más de una escucha para juzgarlo correctamente.
Linda Perhacs - Parallelograms
Parallelograms es el único LP de Linda Perhacs, una misteriosa cantante folk de los setenta que, tras la falta de éxito, desapareció de la escena musical sin dejar rastro. En 1998, el sello Wild Places decidió recuperar esta vieja joya, pero para ello, tuvieron que localizar a Linda, un trabajo que resultó mas costoso de lo habitual. Las canciones de Parallelograms estaban registradas en la compañía musical de Hawaii (Hawaii Music Publishing Company) pero allí no conocían el paradero de la compositora. Tras dos años de tediosa búsqueda, el año 2000 asistió al renacimiento de un disco único y, como su cantante, misterioso, oscuro y profundo.
En Parallelograms nos encontramos a una Linda acompañada con poco más que su guitarra y un prisma de ecos vocales y efectos que transforman el álbum en una obra hipnótica, calificada numerosas veces como acid-folk. Chimacun Rain es el primer corte del disco. Un bello tema intimista y solitario, con bellas sinestesias (“I'm seeing silence between leaves”) y ese juego de ecos y reverberaciones que lo sitúan como una de las referencias del disco.
Paper Mountain Man y Porcelain Baked Cast Iron Wedding son las canciones que rompen el disco acercándose hacia el rock. La primera destaca gracias al frenético ritmo tribal de Shelly Manne (un reputadísimo músico de cool-jazz) a la batería , única colaboración visible del álbum; la segunda, por su riff de guitarra y un bajo excesivamente alto (al igual que en Sandy Goes).
Moons and Cattails y Parallelograms, canción que da título al disco, son, sin duda, los dos cortes más psicodélicos, con redobles de advertencia y vocales que se funden con el silencio gracias a reverbs casi interminables.
Por último, están temas como Dolphin, Call of the river y Morning Colors, en la cual aparece una bella sección de vientos.
Esta rareza de 1970 es una buena recomendación para amantes del nuevo movimiento folk americano “New Weird America”, liderado por cantantes como Jana Hunter o Devendra Banhart. Curiosamente, éste último trabajó con Linda en Freely, canción que aparece recogida en su LP Smoky Rolls Down Thunder Canyon y de la que existen dos versiones diferentes.
Los rumores hablaban de una vuelta de Linda con dos discos nuevos para finales de 2007, hecho que a día de hoy no se ha cumplido. Esperemos que pronto podamos voler a escuchar algo de esta magnífica artista.
Coven - Witchcraft Destroys Minds and Reaps Souls
Es curioso como el paso de los años hace que olvidemos ciertas cosas. La mayoria de nosotros recordamos los 60 como una época de búsqueda personal, de rebelión contra lo establecido, de hippies y del “Haz el amor y no la guerra”. Esta creativa década vio nacer también un cúmulo de nuevas doctrinas y religiones; algunas pasaron a ser universalmente conocidas: el budismo, la cienciología, el rastafarismo o sectas como la de Charles W. Manson y su “Familia”. Dentro de esta larga lista aparece también el culto a la nigromancia practicada por unos cuantos devotos que, citando a los Rolling Stones, sentían simpatía por el diablo...y su música.
Y es que lo que hoy resulta casi un cliché musical, un estilo más, un éxito de ventas ( porque lo oscuro vende, y mucho) hace 40 años resultaba sumamente innovador y revolucionario. La primera referencia en rock ocultista es Coven y su disco Witchcraft destroys minds and reaps souls, por delante de Black Widow y su Sacrifice! ( aunque ya tenían material en 1969 de tematica satánica, éste fue publicado hace pocos años en el LP titulado Return to the Sabbat), e incluso de sus majestades satánicas, The Rolling Stones, que nunca llegaron a tener un material explícito relativo al Diablo ( Simpathy for the Devil es un guiño a la novela de Mijail Bulgakov “ El Maestro y la Margarita”).
La historia del grupo no es diferente a la de muchos otros que se formaron en la época. Jinx Dawson, Mike “Oz” Osborne, que no tiene nada que ver con el líder y vocalista de los Black Sabbath Ozzy Osbourne, y Steve Ross son compañeros en el instituto North Central de Indiana. Allí es donde toman el primer contacto con la música: Jinx da clases de canto y ópera para potenciar su magnífica mientras que Oz y Steve se meten en profundidad con la batería y el bajo, respectivamente. Pronto se cansan del ambiente que reina en Indiana y deciden moverse a Chicago, donde se iniciarán en la magia negra y donde formarán Coven ( en español, aquelarre).
El primero de sus tres álbumes, Witchcraft destroys minds and reaps souls ( La brujería destruye mentes y siega almas) despertó un gran interés en la escena underground y psicodélica, y no solo por el hecho de que fuese el primer LP de rock ocultista. Witchcraft es una suma de estilos: encontramos melodías blues muy pegadizas, pero también rock progresivo y psicodelia al más puro estilo Jefferson Airplane.
"To the best of our knowledge, this is the first Black Mass to be recorded, either in written words or in audio. It is as authentic as hundreds of hours of research in every known source can make it. We do not recommend its use by anyone who has not thoroughly studied Black Magic and is aware of the risks and dangers involved." It also says, "For further information and source material, write: Coven, in care of Dunwich Productions, 25 East Chestnut, Chicago, Illinois 60611.
Black Sabbath es el primer corte del disco en el que destacan los misteriosos teclados, el ritmo funky de la guitarra y la increíble voz de Jinx Dawson ( que no dejará de sorprendernos a lo largo del disco y que es comparada con Grace Slick, vocalista de The Jefferson Airplane). White Witch of Rose Hall es uno de los gran tema a pesar de resultar un poco repetitivo. Las voces se mezclan con melodías de piano y xilófono creando un blues-rock muy potente al estilo del For Unlawful Carnal Knowlodge, ésta última una de las mejores canciones del disco.
El quinto corte es Pact with Lucifer, un tema muy rockero en el que la guitarra se explaya un poco más que en los temas anteriores y en el que Jinx demuestra, una vez más, su fabulosa voz.
El disco lo completan temas como Choke, Thirst, Die, Wicked Woman y Dignataries from Hell, un corte con mucha fuerza, mezcla de progresivo y psicodelia. Por último, aparece el tema Satanic Mass, un ritual demoníaco de casi 15 minutos; el cierre perfecto para el disco.
La labor de producción corre a cargo de Bill Traut (productor de Shadows of Knight). También sobresale de manera peculiar Jim Donlinger, miembro del grupo Aorta junto a otros músicos que aparecen en los créditos de Witchcraft. Su labor no solo consistió en las mezclas y los arreglos, sino que también aparece como compositor de la mayoría de los temas, coros y guitarrista.
Unos meses después de salir a la venta, y a pesar de su éxito, el disco fue retirado del mercado. La razón fue un artículo de la revista Esquire sobre el ocultismo y los recientes crímenes de Charles Manson. En una de las fotos publicadas aparecía el líder de “The Family” con un disco recién comprado en una tienda; este disco era Witchcraft destroys minds and reaps souls.
El grupo llegó a sacar dos LPs más: el homónimo Coven y Blood over snow, pero fue éste primer álbum el que marcó un antes y un después para la banda…y la música.
